LA ESCALA DE BLUES Y SU USO

Para tocar el 12 bar blues en clave de Si bemol usa la escala de blues en Si bemol: B♭, D♭, E♭, E, F, A♭, B♭.

La escala de blues también se puede usar sobre escalas menores cuando la escala menor se toca por 2, 4, 8 o 16 compases. Por ejemplo, si se toca Re menor durante ocho compases, puedes usar la escala de blues en Re: D, F, G, A♭, A, C, D.

Cuando se tocan las tonalidades menores se puede alternar entre la escala menor dórica y la escala de blues, cuidando que ambos tengan la misma tónica (o tono raíz). Por ejemplo, Si Re menor se toca por 8 compases. Puedes tocar Re menor dórico o la escala de blues en Re, o alternar entre las dos escalas.

La escala de blues se usa para transmitir un sonido más “vibrante”, “casero”, “terrenal” o “blusero”. Los músicos de “Rhythm n’ blues” usan bastante esta escala. ¡No la eches a perder usándola todo el tiempo! Experimenta con las escalas de blues que se listan a continuación y úsalas en tus practicas con una base rítmica.

Después de familiarizarse con la escala de blues como se presenta, es probable que quieras agregar notas a la escala para darle variedad al sonido. Los tonos agregados están subrayados, por ejemplo: Escala de blues en Fa = F, G, A♭, A, B♭, B, C, D, E♭, F.

Esta escala suena extraño cuando se toca toda hacia arriba, o hacia abajo. Los músicos de jazz suelen tocar sólo partes de la escala o crear frases usando ciertas notas de la escala. Eventualmente vas a querer transponer esta escala a todas las 12 claves en tu práctica, pero por ahora apréndela en Si bemol (B♭) y en Fa (F).

LAS DOCE ESCALAS DE BLUES (CLAVE DE SOL Y DE FA)

CLAVE DE SOL, INSTRUMENTOS EN DO (C)

INSTRUMENTOS EN SI BEMOL (B♭)

INSTRUMENTOS EN MI BEMOL (E♭)

CLAVE DE FA, INSTRUMENTOS EN DO (C)

La escala de blues (Blues Scale) se puede usar en cualquier momento durante la progresión.

*Esta entrada, como las anteriores, es una traducción del texto original “Jazz Handbook” de Jamey Aebersold. 

Gracias por leer al Oído Autodidacta y recuerden que sus preguntas, comentarios y sugerencias son bienvenidos.

Feliz semana,

ELEMENTOS PARA CREAR SOLOS INTERESANTES

ELEMENTOS PARA CREAR SOLOS INTERESANTES

REPETICIÓN
SECUENCIAS
DINÁMICAS – Alto y bajo
RANGO – TESITURA – Registro alto, medio o bajo.
ACENTOS
NOTAS DE ESPERA
DESCANSOS – SILENCIOS
VARIACIÓN RÍTMICA
VARIEDAD – ¡Pero sin exagerar!
USO DE LA ESCALA DE BLUES
TENSIÓN Y RELAJACIÓN
DISEÑO
SABER DONDE ESTÁN LOS TONOS: los tonos 1ª, 3ª, 5ª y 7ª
EN INSTRUMENTOS DE VIENTO – SOSTENER EL TONO/SONIDO
PASAJES DE ACORDE O ESCALA
TRINOS, LIGADURA, BAJADAS EN PICADA, VIBRATO, STACCATO, etc.
ÉNFASIS EN NOTAS BONITAS: 7as, 9as, y #4as.
PROCURA CONSTRUIR TU SOLO SIEMPRE, QUE TENGA PROPÓSITO.

NOTA: No pretendas tocar todo lo que sabes en un solo. Toma el tiempo para planear con anticipación. Intenta visualizar tus solos con subidas y bajadas, secciones rápidas y otras lentas, pasajes altos y bajos, secciones tensas y otras relajadas. Apunta en general a tener tensión y relajación en tu solo. Usa repetición y secuencias. Escucha las grabaciones de los maestros del jazz para refrescar tu imaginación. La música es para los oídos.

CÓMO EMPEZAR UNA FRASE O MELODÍA.

1. ¿En qué parte de tu instrumento vas a empezar tu idea? ¿En un registro alto, medio o bajo?
2. ¿Cómo quieres empezar? ¿Lentamente, con notas de espera y uso de silencios/descansos? ¿Rápidamente, con mucha atención , movimiento y visibilidad? o ¿Moderadamente, como sugiriendola búsqueda de un estado de ánimo?
3. ¿Con qué nota de escala o acorde quieres empezar?
4. Una vez que hayas empezado ¿quieres subir, bajar o mantener el mismo registro?
5. ¿Quieres usar combinaciones… una o más? Entonces asegúrate de hacerlo en el primer golpe con acento.
6. Una vez que hayas empezado tu frase, ¿Por cuanto tiempo estás preparado para mantener tu continuidad, pensamientos e ideas? ¿Un compás, dos, cuatro, ocho? ¿Lo has pensado?
7. ¿Que ritmo vas a usar para iniciar? ¿Puede tu mente oír las notas en el ritmo? ¿Eres capaz de tocarlas? Recuerda que tu primera frase representa las primeras palabras o ideas en una oración. Piensa antes de empezar.
8. Los tonos del acorde (1,3,5,7) son buenas notas para empezar una frase. Aprende a ubicarlos en tu instrumento.
9. ¿Tu idea inicial viene de tu mente o es una elección tus dedos?
10. Instrumentos de viento… Asegúrate de tomar suficiente aire antes de empezar cada frase. Necesitas sostener el tono para transmitir tus pensamientos musicales efectivamente a la mente de otros.

COMBINACIONES: Las combinaciones más usadas son de un semitono, combinaciones de tonos guía como: 7 a 1, #2 a 3, #4 a 5, 4 a 3. Algunos tonos guía de tono completo son: 2 a 1, 6 a 5. En una clave Menor usamos: 4 a ♭3, 5 a 4, 2 a 1, ♭7 a 1 o 1 a ♭7, 5 a 6, 6 a 7 mayor, 1 a 2. También se puede usar de un tono del acorde a otro como: 3 a 5, 7 a 5, 3 a 1, 1 a 3, 7 a 9 o 9 a 7. También puedes usar frases como: 5, 6, 7, a 1; 5, 7, 9, a 1; ♭3, 3, 5, 6, a 1. El ritmo que escojas también es muy importante para lograr que las combinaciones suenen como guiando hacia el golpe con acento.

*Recuerda que este artículo (así como las anteriores entradas de este blog)  es una traducción del texto en inglés “Jazz Handbook”.

ESCALA CROMÁTICA, CÍRCULO DE CUARTAS Y CONSEJOS DE PRACTICA*

ESCALA CROMÁTICA Y EL TECLADO

1. Las notas suben a medida que te mueves hacia la derecha del teclado. La parte alta del teclado.

2. Las notas bajan a medida que te mueves hacia la izquierda en el teclado. La parte baja del teclado.

3. Un intervalo es la distancia entre dos notas.

4. Tonos y semitonos son las unidades que se usan para medir los intervalos.

5. El intervalo entre dos notas que sean sucesivas es un semitono. Dos semitonos equivalen a un tono.

6. Un -3 se le llama tercera menor y equivale a tres semitonos. Una M3 se le llama tercera mayor (4 semitonos).

7. # o + quiere decir subir la nota un semitono.

8. ♭ o – quiere decir bajar la nota un semitono.

9. H = Half Step = Semitono; W = Whole Step = Tono (o tono completo).

10. Un intervalo puede ser mayor, menor, aumentado, disminuido o perfecto.

EL CÍRCULO DE CUARTAS

El “Círculo De Cuartas” también conocido como “Círculo De Quintas” o solo “El Ciclo”. Practicar las escalas y acordes, y otras ideas en general a partir del ciclo ha sido una practica común entre los músicos de jazz y es altamente recomendada. Es una forma disciplinada de practicar en todas las claves. Además, muchos movimientos de bajo en canciones de jazz y pop se mueven entre secciones del ciclo.

ESCALAS Y MODOS BASADOS EN LA ESCALA MAYOR

En el siguiente cuadro se presentan las siete escalas (algunas veces llamadas modos) que se combinan para formar la escala mayor. Los nombres en paréntesis se derivan de modos tempranos de la iglesia y algunos todavía se usan en la actualidad – Dórica, Lidia, Mixolidia.

 

Lo más interesante de estas escalas es el hecho de estar escritas en la misma clave, ¡sin bemoles ni sostenidos! Todas están relacionadas.

Las escalas usadas con más frecuencia en el jazz son: Mayor, Dórica Menor, 7ª Dominante (Mixolidia), Lidia, y Semi-disminuida. Practica esas primero.

COMO PRACTICAR IMPROVISACIÓN

(Jerry Coker)

A continuación presento un ejemplo de horario que puede servir para organizar el tiempo de práctica. Este horario toma como base un periodo de 75 minutos (1 hora, 15 minutos), pero se puede acomodar proporcionalmente para ajustarse a periodos más cortos o más largos, y se puede modificar para dar espacio a otros estudios del instrumento (desarrollo del tono, ejercicios de destreza para los dedos, estudios de rango, lectura, etc.).

PRACTICA DIARIA

Tema                                                 Minutos

1. Una melodía lenta (tonada)         5

2. Escalas y patrones                     15

3. Aplicación de patrones              10

4. Ejercicios de improvisación        5

5. Transcribir un solo                    15

6. Disciplinas especiales                10

7. Aprende una canción                15

                                                Total 75

Una nueva colección de melodías, patrones, ejercicios, solos transcritos, disciplinas, y tonadas se irán agregando cada semana. Este incremento de material te ayudará a asegurar un progreso estable y continuo. De los ejercicios 3 al 7 debería usarse un acompañamiento. “Disciplinas Especiales” se refiere a estudios dirigidos a corregir debilidades en áreas como tocar en tiempos muy rápidos, sensación de tiempo, uso de los niveles rítmicos, crear intensidad o cultivar una sensación melódica. El aprendizaje de una tonada debería incluir melodía, progresión de acordes, ingredientes apropiados, y familiarizarse con las grabaciones más importantes de la tonada (aunque se escucha en otro momento).

COMO PRACTICAR

(David Liebman)

Uno de los principales puntos a considerar tiene que ver con evitar ponerse demasiados objetivos durante la practica. La mente no puede digerir fácilmente más de uno o dos puntos importantes a la vez y mantener la eficiencia. Siempre busca ser claro en para qué estas haciendo un ejercicio. Por ejemplo, cuando se practican los tonos largos en el saxofón se practica respiración y uniformidad en el sonido – sin inflexiones, vibratos, etc. Las escalas son para mejorar velocidad, destreza en la digitación, etc.

*Recuerda que este material, así como las entradas pasadas del Oído Autodidacta, es tomado de “Jazz Handbook” de Jamey Aebersold.

MAYOR, 7 DOMINANTE Y ESCALAS MENORES

Las escalas están escritas en las 12 claves desde la tónica (la primera nota de la escala) hasta la 9ª de la escala. Las notas en negro corresponden a los tonos del acorde: tónica, 3ª, 5ª, 7ª, 9ª.

Las 12 Escalas Mayores (Jónica) Hasta La 9ª

Construcción Tono – Semitono: WWHWWWH

 

Las 12 Escalas De 7ª Dominante (Mixolidia) Hasta La 9ª

Construcción Tono – Semitono: WWHWWHW

 

Las 12 Escalas Menores (Dórico) Hasta La 9ª

Construcción Tono – Semitono: WHWWWHW

Escalas De Tono Completo

Construcción Tono – Semitono: WWWWWW

Sólo hay dos escalas de Tono Completo

 

Escalas Disminuidas

Construcción Tono – Semitono: WHWHWHWH

Solo hay tres escalas Disminuidas

Esta escalas disminuidas sirven para estos acordes:

Escalas Disminuidas Tono Completo

Construcción Tono – Semitono: HWHWWWW

También conocida como “Alterada” o “Super Locria”

Contiene ♭9, #9, #4, #5, además de la tónica, 3ª y ♭7ª

 

Escalas Semi-Disminuida

Construcción Tono – Semitono: HWWHWWW

También llamada (Menor 7, ♭5) o Locria

Aumenta el segundo tono un semitono para formar la escala Semi-Disminuida #2

Has usado tu voz por mucho más tiempo que tu instrumento. Úsala, canta, y luego transfiere la música a tu instrumento.

No te hará daño pensar o usar tu mente. Claro que tu ego te dirá otra cosa.

*Recuerden que todos las entradas hasta ahora son tomadas de “Jazz Handbook” de Jamey Aebersold.

 

PD: El Oído Autodidacta les recomienda comparar este cuadro con el Esquema De Escalas de la última entrada de Diciembre 2017 de este mismo blog.

EJERCICIOS PREPARATORIOS (10 Ejercicios Básicos)*

A continuación encontrarás algunos ejercicios que todo músico debería memorizar y aprender en todas las claves mayores, menores (dórico), y de 7^a dominante. Son ejercicios básicos que te ayudarán a ganar velocidad y destreza. Empieza haciéndolos despacio y sube la velocidad gradualmente. Busca ser fluido y mascullar cada ejercicio. Para instrumentos de cuerda y teclados deberías tocar legato. Después de familiarizarte con algunos de ellos consulta el capitulo de Articulaciones. Estos ejercicios son geniales para calentar a diario y los puedes aplicar a cualquier escala o acorde independiente de la cualidad. Por cuestiones de espacio solo he listado tres cualidades.

En clave de Sol:

“Los adultos normalmente deben luchar para recuperar su intuición.” George Bouchard autor de “Intermediate Jazz Improvisation”.

En clave de Fa:

El jazz es creativo y crear involucra cambio. ¿Qué tanto estás dispuesto a cambiar?

*Recuerden que todo el material de este blog hasta ahora ha sido tomado de “Jazz Handbook” de Jamey Aebersold.

ARTICULACIONES: CÓMO EXPRESARSE MEJOR

Una de las características especiales de la música de jazz es la articulación que usan los diferentes músicos para expresarse a través de su música. Algunos músicos prefieren usar la articulación estándar tipo swing, muy común en las eras del swing y del bebop, otros usan poca articulación confiando en el legato o en frases suaves, y otros usan staccato en sus interpretaciones para agregar interés o énfasis a ciertas notas o frases.

La mayoría de los músicos eventualmente desarrollan un estilo de articulación apropiado para su forma de expresarse. Los músicos jóvenes normalmente requieren esforzarse para que los músculos requeridos respondan en el momento preciso en que los dedos buscan los tonos, bien sea en el saxofón, la trompeta, el piano, la guitarra o cualquier otro. Piensa en la articulación como la vocalización apropiada, nadie disfruta de un orador, o un músico, que no puede expresar apropiada o efectivamente su mensaje porque su mente no está coordinada con su voz, sus labios, sus dedos, su respiración, etc.

Algunos músicos parecen tener una habilidad natural para articular en el dialecto del jazz, estos músicos usualmente han escuchado las grabaciones y grabado en su mente los estilos de articulación más usados por los grandes del jazz. Al incorporar estos viejos estilos de articulación a su propio concepto de interpretación musical, a menudo toma prestado un poco de aquí, un poco de allá y un poco de su propio estilo, y al final puede desarrollar un repertorio con diferentes estilos.

Uno de las mayores dificultades que se puede llegar a convertir en un camino empedrado es el uso exagerado de la lengua tat tat tat tat o tut tut tut tut. Nota: Para piano, bajo, guitarra y otros, “usar la lengua” en este artículo hace referencia al ataque o énfasis. Cuando tocas varias notas usando la lengua en hilera(una detrás de la otra), el efecto es un sonido inestable. La música de los últimos 40 0 50 años se ha inclinado hacia un sonido mas relajado, legato, suave y fluido. Cuando escucho a algún interprete que toca con este tipo de articulación tat tat o tut tut, inmediatamente pienso que esta persona no ha tenido oportunidad (o no se ha tomad el tiempo) de escuchar música de jazz como se ha interpretado en los últimos 40 años por los grandes del jazz, debería usar la lengua con un estilo legato – tah tah tah tah o tu tu tu tu. El jazz sigue siendo básicamente un arte de forma auditiva y las posibilidades de hacerse interprete de jazz sin escuchar la música que ya se ha hecho antes son muy escasas. Con la gran cantidad de discos que hay en el mercado hoy, no hay razones para no estar al tanto de las diferentes escuelas de articulación y sus principales exponentes.

Cuando usas la lengua en una nota, esto naturalmente da énfasis a ese tono, lo destaca de las notas que le preceden y de las que le siguen. Practicando los siguientes ejercicios, escuchando músicos de jazz que tocan el mismo instrumento que tu en vivo y en grabaciones, experimentando con la articulación en general y manteniendo una mente abierta creo que mejorarás tu interpretación y en el proceso estarás más contento con la música que tocas. La buena articulación definitivamente mejora la comunicación entre el músico y el que escucha.

Todos estos ejercicios deben tocarse con un metrónomo. Empiece despacio y suba el tiempo gradualmente, no aumente el tiempo muy rápido. Asegúrese de escucharse mientras va tocando. La articulación debe volverse automática antes de empezar a sonar natural. No corra ni fuerce los ejercicios. Eventualmente, componga sus propios ejercicios y mueva las notas acentuadas por toda la escala. Alargue la escala gradualmente hasta incluir dos octavas y luego hasta incluir todo el rango del instrumento. Creo que es buena idea empezar con un acento muy fuerte, luego medio y luego suave. Quienes no han hecho esto antes necesitan oír como suena un acento, y tocar con fuerza al principio parece ayudar a comprender esta idea más rápido.

Algunos de los músicos que han hecho aportes significativos en la corriente de la articulación del jazz son: Cannonball Adderley, Sonny Rollins, Phil Woods, Freddie Hubbard, Clifford Brown, Miles Davis, John Coltrane, Dave Liebman, Wes Montgomery, Herbie Hancock, Lee Morgan, Ron Carter, Art Farmer, Lee Konitz, Charlie Parker, Clark Terry, J.J. Johnson, Slide Hampton, Woody Shaw, Kenny Dorham, McCoy Tyner, Ornett Coleman, Horace Silver and Joe Henderson. La lista sigue, pero cuando pienso en estos músicos, y otros no mencionados, una de sus principales características es su articulación y como se relaciona con la tradición del jazz. ¡Trata de atrapar el sonido, Sonido, SONIDO en tus oídos! Aprendes más de articulación escuchando música que leyendo al respecto o incluso expresándote con palabras. Abrir los oídos es uno de los ingredientes clave para convertirse en músico de jazz. Practica con los ojos cerrados y escucha la articulación de cada nota.

*Igual que las entradas anteriores, esta información es tomada de “Jazz Handbook” de Jamey Aebersold de distribución gratuita.

ENTRENAMIENTO AUDITIVO

Cuando una persona intenta desarrollar su capacidad para identificar los sonidos a su alrededor, se enfrenta con otras dificultades no siempre relacionadas con la lectura de la música o los símbolos de los acordes.

Se entiende por “buen oído” la habilidad de oír y distinguir la tónica de los diferentes acordes o escalas que se están interpretando, la habilidad para distinguir la cualidad del acorde, si es mayor o menor (¿que tipo de acorde menor?), pentatónico, disminuido, etc. También es la habilidad de reconocer el tono que suena en un punto dado en el solo.. “¡ah, ese es el 4^o tono, resuelve a la 6^a y resuelve a la 5^a!”. Y quiere decir que puedes oír el piano, el bajo, el solista, la batería, etc. individual o colectivamente.

He notado que hay diferentes niveles de escucha. Algunas personas oyen y otras ¡oyen de verdad! Y otras personas parecen poder oír y distinguir casi todo lo que se está interpretando, pueden cantar o interpretar, partes de solos que acaban de escuchar. ¿Cómo OYEN, y por qué nosotros no logramos identificar la tónica, la escala, su cualidad, o en cual es la marca del compás?

Estoy firmemente convencido de que si todos los estudiantes, desde pre-escolar hasta el último año de colegio, fueran expuestos a ejercicios simples de entrenamiento auditivo donde tuvieran la oportunidad de identificar lo que ellos oyen en radio, televisión, discos, jazz, opera, orquesta, coros, bandas, etc., ¡nuestra escena musical en general sería muy diferente! En mi opinión, si en la escuela se hicieran ejercicios de entrenamiento auditivo, combinado con algo de teoría musical, el público demandaría música de mayor calibre que la que se consume en la actualidad. ¿Por qué pedirían “mejor” música? Porque notaría que la música que se le está vendiendo es muy repetitiva, trillada y banal para que se justifique tanta de nuestra atención, y mucho menos nuestro dinero en compras de discos o entradas a conciertos.

Una de las razones por las que el jazz, en particular desde el bebop hasta el presente no ha tenido una gran audiencia es debido al nivel de reflexión que se requiere para entender la esencia de la música. Hoy en día la persona promedio no quiere pensar sobre música, solo quiere disfrutarla, y normalmente se conformará con oír lo mismo día tras día; siente que la vida es demasiado difícil para encima tener que reflexionar sobre la música que escucha. Eso explica la distancia entre el interprete y la audiencia en el mundo actual. Aunque no pretendo implicar que escuchar música no sea agradable intelectualmente.

Este sería un excelente momento para leer“Listening to Jazz” de Jerry Coker, publicado por Prentice-Hall. Un gran libro sobre como escuchar jazz y es accesible para no músicos.

Para hacer entrenamiento auditivo, VOL 21 “Gettin’ It Together” de la serie de grabaciones de práctica de Aebersold te dará muchas herramientas.

Sugiero empezar con la primera pista y cantar la tónica. Después de cantar la tónica, canta los primeros cinco tonos de la escala; luego intenta cantar la triada, 1^a, 2^a y 3^a de la escala. Probablemente para cuando puedas hacerlo ya podrás cantar toda la escala. Recuerda cantar también los acordes de 7^a y 9^a, y hacerlo también en tu instrumento. Además, no olvides cantar tonos individualmente, como la 5^a, la 9^a, o la 3^a, etc.

Intenta empezar a la mitad de cualquier pista (empieza con una mayor) y ve cuanto te toma encontrar la tónica. Puede convenir sentarse en un piano cuando haces esto, así te aseguras de hacerlo bien. Después de encontrar la tónica ¿puedes cantar toda la escala o incluso improvisar?

Cuando cantes ten en cuenta que cada tono en la escala o acorde tiene asignado un número, piénsalos en términos de esos números siempre que puedas.

Escúchalo en tu auto, canta ejercicios, patrones e improvisa, y mientras lo haces procura ser consciente del tono en que estás cantando. Puedes llegar a querer un diapasón y tenerlo en el auto para identificar la tónica, la 3^a, 5^a, etc. P.D. ¡Pon los ojos en la carretera!

Ser capaz de distinguir y cantar intervalos es un ingrediente clave del entrenamiento auditivo. Experimenta cantando, o tocando en tu instrumento, los sonidos del canal izquierdo de la grabación; escuchando concienzudamente el bajo.

He encontrado útil memorizar nombres de canciones que empiezan con cierto intervalo. Por ejemplo, el intervalo de una 4^a ascendente perfecta son las dos primeras notas de “Here Comes The Bride”. Al cantar esas dos primeras notas y entender que describen un intervalo ascendente de 4^a perfecta puedes aprender a reconocer este intervalo de 4^a siempre que suene, o puede ayudarte a cantar o interpretar en tu instrumento este intervalo bien afinado.

Antes de despedirse, el Oído Autodidacta les recuerda que esta información es tomada de “Jazz Handbook” de Jamey Aebersold de distribución gratuita.

ÁRBOL DE ESCALAS DE LA 7ª DOMINANTE

Las dos notas más importantes de cualquier escala son la 3^a y la 7^a, ellas indican al que escucha la cualidad y el movimiento armónico de la escala. La 7^a indica si el sonido es estable (osea que no se quiere mover a otro acorde) o si quiere pasar a un acorde de resolución. Típicamente, la dominante quiere resolver a un acorde en la 4^a perfecta (C7 quiere resolver a F, F-, F7, etc). La tónica se da por sentada ya que sin ella no se puede reconocer la cualidad del sonido.

Cualquiera de estas escalas (cualidades/sonidos/sonoridades) se pueden usar cuando la escala/acorde de 7^a dominante resuelve a un acorde cuya escala/acorde tiene una 4^a perfecta (5 semitonos) arriba de la tónica del acorde de 7^a dominante.

EJEMPLO: || C7 | C7 | F | F | Ab7 | Ab7 | Db- | Db- ||

Embellece sus proporciones con los acordes C y Ab7

Los tonos alterados van en negrita. Estos tonos generalmente resuelven en un tono de acorde a un semitono de distancia, esto agrega tensión y luego distensión al sonido, lo cual ocurre naturalmente en la música. Las 3^as y las 7^as están subrayadas.

ESCALAS:

1. DOM.7th = C7 = C D E F G A Bb C 

Esta escala describe el sonido básico de la 7^a Dominante. Trata el 4^o tono con cautela, úsalo como tono de paso.

2. BEBOP = C7 = C D E F G A Bb B C 

Usa B natural como tono de paso. Deberías usarlo en tiempos no acentuados, nunca en un tiempo acentuado.

3. LIDIA DOM. = C7#4 = C D E F# G A Bb C 

La 4^a sostenida es una nota muy popular, antes se le llamaba 5^a bemol.

4. TONO COMPLETO = C7+ = C D E F# G# Bb C 

Esta escala solo tiene 6 tonos. Es una escala simétrica generalmente usada en animaciones y por DeBussy y Ravel. (Tiene la 4^a y la 5^a sostenidas).

5. DISMINUIDA = C7b9 = C Db D# E F# G A Bb C 

Esta escala tiene 8 tonos diferentes, es simétrica y también usada en animaciones. Michael Brecker es un maestro del sonido de esta escala. (Tiene 9^a bemol, 9^a sostenida y 4^a sostenida).

6. DIS. TONO COMPLETO = C7+9 = C Db D# E F# G# Bb C 

Esta escala tiene 4 tonos alterados lo que ayuda a crear tensión. ( Tiene 9^a bemol, 9^a sostenida, 4^a y 5^a sostenidas).

7. ESCALA ESPAÑOLA O JUDÍA = C7 (b9) = C Db E F G Ab Bb C 

Esta escala es frecuentemente interpretada en clave menor. Es la misma que F armónico menor. (Tiene 9^a y 6^a bemoles).

8. ESCALE CROMÁTICA= C7 = C C# D D# E F F# G G# A A# B C

    (El alfabeto de la música)             C Db D Eb  E F Gb G Ab  A Bb B C

Cuando tengas que tocar sobre una escala de 7^a dominante querrás experimentar con estas escalas. El uso apropiado de estas escalas tan variadas es lo que hace al jazz tan interesante. La variedad ilimitada en las manos de un maestro produce música hermosa. No temas probar estos sonidos, puede ser que tome tiempo acostumbrar tus oídos y entrenar tus manos. El libro titulado “Patrones Para Jazz” (producto de Aebersold para claves de sol y de Fa) contiene una lista de frases basados en varias de estas escalas.

Recuerden que este texto es la traducción al español del mismo texto tomado de “Jazz Handbook” de Jamey Aebersold.

*Por si hace falta, les dejo esta referencia para los tonos en español: 

       C    D    E    F    G     A   B  

       Do  Re  Mi  Fa  Sol  La  Si

ESQUEMA DE ESCALAS Y NOMENCLATURA

INTRODUCCIÓN AL ESQUEMA DE ESCALAS

Los símbolos de las escalas (C7, C-, C∆+4, etc) representan la serie de tonos que el improvisador puede usar cuando improvisa o durante el solo, a estas series de tonos se les ha llamado tradicionalmente escalas. Las escalas de esta lista son las que más he oído a la mayoría de músicos, las he listado en clave de Do para que tengas un punto de referencia para comparar las similitudes y diferencias de las diferentes escalas.

El propósito de este esquema de escalas es dar al improvisador una amplia variedad de escalas que se puedan usar sobre cualquier acorde – mayor, menor, 7^a dominante, semi-disminuido, disminuido, o 4^a suspendida. La música occidental, en particular el jazz y el pop usan la escala mayor, la de 7^a dominante, la menor dórica y la escala de blues más que otras escalas. Las escalas menos usadas son semi-disminuida, disminuida, de 4^a suspendida. Si aceptamos que estas 5 familias de escalas son las predominantes entonces podemos listar categorías y subcategorías entre ellas… revisa el esquema de escalas. También puedes encontrar útil el “Vol 26 The Scale Syllabus” donde encontrarás más información sobre las escalas.

Cada categoría empieza con el símbolo de la escala a la que más se parece, escrito a la izquierda. Y las escalas están organizadas de acuerdo al grado de disonancia que producen en relación con el sonido de la escala básica. Las primeras escalas tienen un sonido más apacible y armonioso, mientras las opciones que se van presentando después tienen sonidos progresivamente más tensos y disonantes. Todo músico debería empezar con las escalas de la parte alta de la lista, con las escalas más armónicas, y con práctica y pericia progresar hacia las escalas más tensas y disonantes. Deberías practicar cada escala nueva hasta que tus oídos y tus manos se sientan cómodos con todos los tonos de la escala. También es bueno intentar cantar la escala con la voz. Improvisa con tu voz sobre la escala que estás aprendiendo y luego interpreta en tu instrumento lo que acabas de cantar.

La música se crea de tensión y distensión, los tonos de la escala producen tensión o distensión. La habilidad del improvisador para controlar la cantidad y frecuencia de éstos, determina su éxito al comunicarse con el espectador. ¡Recuerda que tú, el músico, también es un espectador! Lee “Vol 1 Jazz: Cómo tocar e improvisar” y encontrarás una explicación más detallada de la tensión y distensión en el desarrollo melódico.

Cualquiera de los ejercicios que encuentras en los Volúmenes 1, 2, 3, 21, 24, 28 o 84 se pueden aplicar a las escalas listadas en este esquema. Aunque parezca obvio, cualquier escala que quieras aprender debe ser practicada en todas las 12 claves. Mientras uses la misma relación de tonos y medios tonos dadas para la construcción de la escala en este esquema, deberían funcionar en cualquier nota.Si quieres más información sobre sustitución de escalas, te recomiendo “Escalas Para Improvisar Jazz” de Dan Haerle, “Improvisando Jazz” de David Baker, “Patrones Para Jazz” (En clave de Sol y de Fa) y “Método Completo Para Improvisar Jazz” de Jerry Coker, “Depósito De Escalas Y Patrones Melódicos”de Yusef Lateef. Estos libros están disponibles en www.jazzbooks.com (en inglés).

Diferentes grabaciones de práctica te ofrecen la posibilidad de practicar todas las escalas en las 12 claves. Por ejemplo: “Vol. 24 Major & Minor”; “Vol. 84 Dominant 7th Workout”; “Vol.21 Gettin’ It Together”; and “Vol.16 Turnarounds, Cycles & II/V7’s”. También puedes revisar: “Vol. 42 Blues In All Keys”; “Vol. 47 Rhythm In All Keys”; “Vol. 57 Minor Blues In All Keys” y otros dos: “Vol. 67 Tune Up” y “Vol. 68 Giant Steps”. Encontrarás canciones clásicas en todas las claves.

Las escalas y acordes son la columna vertebral de la música y cuanto mejor te equipes, más te divertirás haciendo música.

ESQUEMA DE ESCALAS

H = semitono, W = Tono; ∆ = 7^a Mayor, + o # = aumenta un semitono, ♭ o - = disminuye un semitono, ø = semidisminuido; -3 = 3H (Tercera menor) 

 

Notas: 1) En esta guía de símbolos de acordes uso mi sistema de notación, me parece la mejor forma de representar los sonidos que escucho en el jazz. Los músicos deben estar informados de que cada símbolo de cada acorde representa una serie de tonos que se conoce como escala. 2) Aunque el acorde C7+9 parece tener solo la 9^a aumentada, también tiene una 9♭, +4 y +5. La escala completa de C7+9 es así: tónica, 9♭, 9+, 3, 4+, 5+, 7♭ y tónica (C, D♭, D#, E, F#, G#, B♭, C). Mi símbolo para el acorde C7+9 es una abreviación, pues el nombre sin abreviar es Disminuida Tono Completo (también se le conoce como Super Locria o Alterada Dominante). Del mismo modo C7♭9 también pareciera tener una sola alteración (9♭) pero en realidad tiene tres: 9♭, +9 y +4. La escala completa comprende: tónica, 9♭, +9, 3, +4, 5, 6, 7♭ y tónica (C, D♭, D#, E, F#, G, A, B♭, C). Esta escala se conoce como Disminuida y mi abreviación para simbolizar este acorde es C7♭9. 3) Todas las escalas en la categoría de 7^a Dominante embellecen el sonido básico del acorde, algunas escalas producen mucha más tensión que el sonido básico del acorde de 7^a Dominante y requieren práctica y paciencia para lograr capturar la esencia de su significado. Te recomiendo trabajar con “Volumen 3 The 11-V7-1 Progression” ya que hace énfasis en las escalas y acordes Disminuidos y Disminuidos Tono Completo. 4) En la categoría #3, OPCIONES PARA ESCALA MENOR, la escala MENOR PURA o NATURAL puede ser la que menos se usa. He encontrado que el orden de preferencia suele ser: Dórico, Bebop, Melódico, Blues, Pentatónica y después cualquiera de las otras opciones.

NOMENCLATURA

+ o # = sube 1 semitono; - o ♭ = baja 1 semitono; H = semitono; W = tono.

Como los músicos, compositores, profesores y autores de jazz no se han puesto de acuerdo en una sola forma de escribir los diferentes acordes, el novato tendrá que acostumbrarse a ver la misma escala escrita de modos diferentes.

Esta lista incluye los símbolos más comunes ordenados de los que se usan con mayor frecuencia a los que se usan menos. Los símbolos en Negrita son los que yo más uso. A lo largo del librillo se usa C y C∆ para representar un Do mayor, esto lo hago para que empieces a acostumbrarte a que hay varias nomenclaturas.

∆ = Representa una escala mayor o séptima mayor (C∆). Un (7) después de una letra significa bajar la 7^a de la escala, convirtiéndola en una 7^a Dominante (C7). Un guión (-) junto a una letra significa bajar la 3^a y la 7^a de la escala 1 semitono, dándole así tonalidad de escala menor (Dórico Menor) (C-). Ø = significa semi-disminuido. C-∆ = Un acorde menor con 7^a mayor. -3 = significa 3 medios tonos (la 3^a menor). Un º junto a una letra significa Disminuido (Cº = escala disminuida).

Creo que una notación reducida de los acordes permite a nuestra parte creativa (hemisferio derecho del cerebro) tener dirección y guía sin sentirse inhibido o limitado. Cuando se habla de “cualidad” se dice si es un acorde Mayor, Menor, Disminuido, etc. He intentado estandarizar la notación en mis libros pero si lees los primeros puede que encuentres algún sistema de notación diferente.

En mi opinión el improvisador debe tener tan poca notación como sea posible para poder trascender los símbolos escritos en el papel. Cuantos más números, letras y alteraciones aparecen en la partitura, será más difícil sacar sus pensamientos de ella y poder expresar lo que escucha en su mente. Por eso prefiero, C, C7, C-, CØ, C7+9. Recuerda que hablamos de una música que llaman jazz y contiene muchas notas alteradas. Si ya conoces las diferentes alteraciones y los símbolos correspondientes a sus abreviaciones, ¿por qué seguir poniendo todas las alteraciones junto al símbolo del acorde? ¡Revisa detenidamente el Esquema de Escalas! Escucha el “Vol 26 The Scale Syllabus”.

Recuerda: La 2^a es la 9^a, la 4^a es la 11^a, la 13^a es la 6^a. Algunas veces el compositor pone el nombre de la escala junto al símbolo del acorde, así: E♭-∆ (Menor Melódico), F- (frigio), F- (fri).

Antes de despedir esta entrega de fin de año, por favor recuerden que este material es tomado de “Jazz Handbook” de Jamey Aebersold y que sus comentarios y sugerencias son bienvenidos. 

¡Que tengan un feliz año nuevo! ¡Y que en 2018 aprendan a improvisar sobre todas las escalas en todas las claves! Son los deseos del Oído Autodidacta.